Gervasio Sánchez gana el Premio Nacional de Fotografía

 

El fotógrafo se muestra sorprendido y orgulloso de que, por primera vez, el galardón distinga a un fotoperiodista

 

AURORA INTXAUSTI - Madrid – 06/11/2009

Una joven madre dormida junto a su hijo. Una imagen llena de placidez hasta que el ojo repara en las prótesis de plástico y metal que sustituyen a sus piernas. Esta fotografía de Gervasio Sánchez, perteneciente a la serie Vidas minadas, es una de las miles realizadas a lo largo de 25 años en zonas de conflicto por el periodista cordobés Gervasio Sánchez. Su trabajo, su trayectoria, su compromiso con la fotografía como herramienta de denuncia de la violencia le han valido el Premio Nacional de Fotografía 2009. El jurado valora “su continuada labor a favor de la justicia y especialmente por su trabajo sobre las minas anti-persona”. Asimismo se reconoce “su aportación a la fotografía de reportaje y cómo a través de ella se dignifica a las víctimas fotografiadas, con una mirada particular que enaltece los mejores valores del fotoperiodismo”. El premio, concedido por el Ministerio de Cultura, está dotado con 30.000 euros.

“Es una gran sorpresa por ser la primera vez que se valora a un fotoperiodista. Y es un orgullo sobre todo cuando en los medios se valora tan poco la fotografía de prensa. Mi apuesta ha sido por trabajar en zonas de conflicto y asumir una serie de riesgos a lo largo de los últimos 25 años, en los que se van quedando una larga lista de compañeros muertos en esos lugares”, dice el periodista en conversación telefónica y lista los nombres de periodistas fallecidos mientras realizaban su labor en zonas de guerra -Juantxu Rodríguez, Ricardo Ortega, Miguel Gil o Julio Fuentes-.

    

                

Gervasio Sánchez (Córdoba-1959) ha optado por realizar proyectos en sus distintos viajes basados en contar las realidades de las que ha sido testigo a través de imágenes. Lamenta y critica que los medios de comunicación relegan la fotografía en ocasiones cuando el valor de la imagen “puede ser mayor que el del texto y más efectivo emocionalmente”.

Sánchez es licenciado en Periodismo por la Universidad Autónoma de Barcelona de 1984. Ha cubierto los principales conflictos armados del mundo, tanto la guerra del Golfo como los de la antigua Yugoslavia, África, Asia y América Latina. Trabaja para el Heraldo de Aragón, además de colaborar con la Cadena Ser, el servicio en español de la cadena pública británica BBC, el Magazine, de La Vanguardia, y la revista TIEMPO. En 1995, emprendió su proyecto fotográfico Vidas Minadas sobre el impacto de las minas antipersonales sobra las poblaciones de los países más minados del mundo, entre ellos Afganistán, Angola y Camboya, que concluyó en 1997 con un libro y una exposición. Otros libros fotográficos suyos son El Cerco de Sarajevo (1994); Kosovo, crónica de la deportación (1999) y Niños de la Guerra (2000). En 2001, apareció su libro La Caravana de la Muerte. Las víctimas de Pinochet, y en 2005, Sierra Leona. Guerra y Paz. En 1998, con motivo de la celebración del 50 aniversario de la Declaración Universal de los Derechos Humanos, la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) le nombró Enviado Especial de la UNESCO por la Paz.

Posee una larga lista de galardones entre los que se encuentran el Premio Internacional de Periodismo Rey de España en la categoría de Fotografía (2009), el Premio Córdoba dePeriodismo, el Premio Ortega y Gasset del diario EL PAÍS (2008), por la serie Vidas minadas, el Premio Javier Bueno otorgado por la Asociación de la Prensa de Madrid (2006), el Premio LiberPress (2005)en reconocimiento a su labor “en favor de la libertad de prensa y la denuncia de las injusticias”, la Medalla al Mérito Profesional del Gobierno de Aragón (2004) y otras distinciones, destacando la concesión en 1996 del Premio Cirilo Rodríguez, el más prestigioso del Estado español para periodistas que ejercen su labor en el extranjero como enviados especiales o corresponsales permanentes.

El jurado, presidido por la directora general de Bellas Artes y Bienes Culturales, Ángeles Albert, ha estado compuesto por José María Rosa Angulo, representando a “Bleda y Rosa”, Premio Nacional de Fotografía 2008; Paloma Esteban Leal, conservadora del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; Rosina Gómez-Baeza Tinturé, directora de Laboral Centro de Arte y Creación Industrial de Gijón, por el Instituto de Arte Contemporáneo; María Fernández Palou (Mariona Fernández), crítica de arte, por la Unión de Asociaciones de Artistas Visuales; Rafael Doctor Roncero, crítico de arte, por la Asociación de Directores de Arte Contemporáneo de España; Santiago Olmo García, crítico de arte, por la revista digital Fanzine 10×15. Ha actuado como secretaria, Elena Hernando, subdirectora general de Promoción de las Bellas Artes.

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Biografía
 

Gervasio Sánchez (Córdoba-1959) es licenciado en Periodismo por la Universidad Autónoma de Barcelona de 1984. Ha cubierto los principales conflictos armados del mundo, tanto la guerra del Golfo como los de la antigua Yugoslavia, África, Asia y América Latina. Trabaja para el Heraldo de Aragón, además de colaborar con la Cadena Ser, el servicio en español de la cadena pública británica BBC, el Magazine, de La Vanguardia, y la revista TIEMPO. En 1995, emprendió su proyecto fotográfico Vidas Minadas sobre el impacto de las minas antipersonales sobra las poblaciones de los países más minados del mundo, entre ellos Afganistán, Angola y Camboya, que concluyó en 1997 con un libro y una exposición. Otros libros fotográficos suyos son El Cerco de Sarajevo (1994); Kosovo, crónica de la deportación (1999) y Niños de la Guerra (2000). En 2001, apareció su libro La Caravana de la Muerte. Las víctimas de Pinochet, y en 2005, Sierra Leona. Guerra y Paz. En 1998, con motivo de la celebración del 50 aniversario de la Declaración Universal de los Derechos Humanos, la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) le nombró “Enviado Especial de la UNESCO por la Paz”. Posee una larga lista de galardones entre los que se encuentran el Premio Internacional de Periodismo Rey de España en la categoría de Fotografía (2009), el Premio Córdoba de Periodismo, el Premio Ortega y Gasset del diario El País (2008), el Premio Javier Bueno otorgado por la Asociación de la Prensa de Madrid (2006), el Premio LiberPress (2005)en reconocimiento a su labor “en favor de la libertad de prensa y la denuncia de las injusticias”, la Medalla al Mérito Profesional del Gobierno de Aragón (2004) y otras distinciones, destacando la concesión en 1996 del Premio Cirilo Rodríguez, el más prestigioso del Estado español para periodistas que ejercen su labor en el extranjero como enviados especiales o corresponsales permanentes.

 

Richard Rogers cambiará San Sebastián de los Reyes

 

El arquitecto de la T4 gana un concurso para construir un gran parque en el municipio

ANATXU ZABALBESCOA - Madrd – 03/11/2009

En breve San Sebastián de los Reyes y Londres tendrán algo en común: el mismo asesor urbanístico. Nada menos que el Premio Pritzker Richard Rogers (Florencia, 1933), un lord que se gana la vida como arquitecto sostenible, firmará la reconversión de la ciudad. El autor de la T4 del aeropuerto de Barajas y del Centro Pompidou de París ha ganado el concurso de ideas para construir el futuro Parque de la Marina, imponiéndose a otros 32 proyectos que se presentaron al concurso de ideas.

Así, en unos terrenos cedidos por el Ministerio de Defensa en torno a la Avenida de los Reyes Católicos, Rogers ha colocado el futuro edificio de oficinas del Ayuntamiento, un renovado recinto ferial, espacio para las casetas de feria, una anfiteatro al aire libre, un recinto multiusos cubierto y diversas zonas de mercadillo y actividades comunitarias sobre un gran aparcamiento subterráneo que esconderá los coches en la ciudad renovada. Y es que al ecologista Rogers le gustan poco los coches.

Al que empezara como socio de Norman Foster le enorgullece recordar que su primer proyecto, la casa de sus entonces suegros levantada hace 50 años, era ya un edificio sostenible. Reconoce que sus ideas arrancaban de las de una mujer, Rachel Carson, una ecologista norteamericana autora del libro Silent Spring, que “sufrió la bravuconería de un mundo machista y no recibió la atención que merecía”.

Aunque el mundo no supiese digerir a Carson a tiempo y aunque su obra haya caído en el olvido, Rogers jamás la olvidó. Por eso, a pesar de haber continuado con un tesón diluido su cruzada por la arquitectura ecologíasta -levantando edificios menos sostenibles que ese primer proyecto-, Rogers logró retomar esa preocupación a tiempo.

Tan a tiempo que cuando uno de sus hijos lo convenció para que explicara sus ideas en la radio, sus charlas fueron recogidas en el libro Ciudades para un pequeño planeta (Gustavo Gili). Y el primer ministro británico en la época, Tony Blair, lo convirtió en su arquitecto de cabecera. Así, Rogers fue el hombre que ideó el nuevo Londres en la orilla sur del Támesis, frente a la Catedral de San Pablo y junto a la Tate Modern.

Cuando le dieron el Premio Pritzker en 2007, el jurado reconoció en Rogers más un “urbanista social” que un arquitecto al uso. Él no comparte esa opinión, pero admite que la defensa de una arquitectura social siempre ha caracterizado sus edificios. ¿Y qué es una arquitectura social? Otro arquitecto británico, Peter Smithson, la definió a partir de una ventana: “El derecho que tiene un oficinista a trabajar a no más de cuatro metros de una ventana”. Es decir: los edificios pensados para las personas. Algo de eso vio el alcalde de San Sebastián de los Reyes, Manuel Ángel Fernández, ayer en la propuesta del inglés.

“Me gusta lo respetuoso que es el proyecto con la orografía del terreno”, declaró. Saber entender el lugar, pero sobre todo celebrar la vida urbana, es el punto fuerte de este arquitecto. Urbanísticamente, Rogers siempre ha defendido que los ciudadanos hagan de las calles y los parques su sala de estar. “En Inglaterra siempre vivimos dentro: en casa, en el pub o en el club. La vida en España sucede fuera y una ciudad debe fomentar esa costumbre. Los ciudadanos tienen derecho a sentir la calle como una extensión de su casa”.

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Moneo renueva el viejo campus de Columbia

 

Es el primer edificio que el arquitecto construye en Nueva York

BARBARA CELIS - Nueva York – 14/10/2009

Para cualquier arquitecto, proyectar un edificio que contribuya a delinear el skyline más celebre del planeta, el de Nueva York, es un jugoso desafío. Si además ese edificio se integra en uno de los campus universitarios más prestigiosos de Estados Unidos, el reto es doble.

El arquitecto Rafael Moneo (Tudela, Navarra, 1937) está construyendo un nuevo pabellón dedicado a las ciencias interdisciplinares en la Universidad de Columbia. El proyecto, diseñado junto al Moneo Brock Studio con un presupuesto de 200 millones de dólares (134,8 millones de euros) y que será inaugurado en 2010, tendrá 14 pisos, 4.645 metros cuadrados de laboratorios, una biblioteca dedicada a la química, biología y psicología, un auditorio y un café abierto al público y a pie de calle.

Situado en la esquina entre Broadway con la calle 120, el nuevo edificio de cristal y aluminio, luminoso, abierto, casi flotante y con la imagen clara del siglo XXI pero sin ostentaciones, funcionará también como entrada noroeste al campus Morningside Heights, dominado por los edificios históricos de McKim, Mead & White, los arquitectos que diseñaron algunas de las principales construcciones de finales del XIX y principios del siglo XX en Nueva York y autores también del Hotel Nacional de Cuba en La Habana. De ahí la complejidad de un proyecto que para llevarse a cabo no sólo ha tenido que tener en cuenta el contexto en el que iba a situarse, sino también las dificultades de construirlo sobre el gimnasio universitario. “No es un edificio sencillo. Las condiciones han sido complicadas porque había que respetar el gimnasio, aunque supongo que además de superar esa dificultad física el reto fundamental era de tipo estético: ser capaces de integrarse en un complejo urbano tan preciso y definido, con un perfil tan claro como el del campus de Columbia”, explicó ayer Moneo en conversación telefónica.

El arquitecto, ganador del premio Pritzker de arquitectura en 1996, es sobradamente conocido en EE UU, donde ha construido edificios emblemáticos desde finales de los años ochenta -la catedral de Nuestra Señora de Los Ángeles, en Los Ángeles, o el Davis Art Museum en Massachusetts-, pero nunca había dejado su firma en Nueva York. La apuesta de la Universidad de Columbia es particularmente significativa teniendo en cuenta que construir un pabellón de ciencias en esa ubicación era un viejo sueño fallido. Por ejemplo, el proyecto del arquitecto británico James Stirling nunca llegó a ser aprobado. Lee C. Bollinger, rector de la universidad, parece estar particularmente contento con el diseño de Moneo. “Tenía que ser arquitectura de calidad en sí misma, un proyecto atrevido pero realizado por un arquitecto importante”, explicó Bollinger en el diario The New York Times.

Según Moneo, “trabajar con instituciones académicas estadounidenses es satisfactorio porque te hacen sentir acompañado. Cuando aprueban un proyecto saben bien lo que quieren, saben con claridad el dinero del que disponen y eso ayuda mucho”. Cuando comenzaron las obras en 2007 hubo algunas críticas, pero parece que entre arquitectos ha gustado. Moneo se declara satisfecho: “Construir en ciudades como Nueva York crea controversia, naturalmente, pero creo que el proyecto se ha entendido bastante bien”.

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Las Atarazanas de Sevilla acogerán otro CaixaForum

 

El arquitecto Vázquez Consuegra gana el concurso de rehabilitación

 

MARGOT MOLINA - Sevilla – 15/10/2009

El arquitecto sevillano Guillermo Vázquez Consuegra convertirá las Reales Atarazanas de Sevilla -un edificio del siglo XIII ubicado en pleno centro histórico de la ciudad, con 7.200 metros cuadrados de planta-, en el CaixaForum Sevilla, un centro cultural y social que la entidad financiera La Caixa tiene previsto inaugurar en 2015.

El arquitecto sevillano Guillermo Vázquez Consuegra convertirá las Reales Atarazanas de Sevilla -un edificio del siglo XIII ubicado en pleno centro histórico de la ciudad, con 7.200 metros cuadrados de planta-, en el CaixaForum Sevilla, un centro cultural y social que la entidad financiera La Caixa tiene previsto inaugurar en 2015.

Ubicado en “el espacio civil más imponente de la ciudad”, según la memoria del proyecto que ha ganado el concurso restringido, al que se invitó a 10 estudios, la propuesta de Vázquez Consuegra respeta las siete naves existentes y mantiene su cota actual -cinco metros por encima de la original cuando se construyó en 1252-, adaptando la planta alta para resolver las necesidades del centro cultural. Todo en función de su gran apuesta: crear un enorme espacio público para la ciudad en la planta baja del monumento.

“El proyecto usa tres materiales básicos, acero, madera y vidrio, que resaltarán la belleza cromática del ladrillo visto del edificio”, adelantó ayer en Sevilla el presidente de La Caixa, Isidro Fainé, tras descubrir la maqueta del nuevo CaixaForum. Vázquez Consuegra, Premio Nacional de Arquitectura en 2005 y autor de varios proyectos relacionados con la navegación, entre los que destaca el Museo del Mar y de la Navegación de Génova (Italia), no asistió ayer al acto. La entidad ha aplazado la presentación detallada del proyecto para el próximo día 23.

La Junta de Andalucía ha cedido a La Caixa las Reales Atarazanas, edificio declarado Bien de Interés Cultural (BIC), por 75 años. Transcurrido ese tiempo, la propiedad volverá a la Junta, que podrá recuperar el monumento rehabilitado “sin tener que pagar ni un euro”, en palabras del director general de la Fundación La Caixa, Jaume Lanaspa, o prolongar la cesión de uso a la entidad.

“Por importancia patrimonial, por belleza y por extensión, éste será, sin duda, el mejor de los CaixaForum”, comentó ayer Lanaspa tras la presentación que realizaron en las mismas Atarazanas el presidente de la Junta de Andalucía, José Antonio Griñán, y el presidente de La Caixa.

 

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La Caixa se ofrece para reformar las Ataranzas

 

La entidad solicita a la Junta la cesión del edificio del Arenal para establecer la sede andaluza de ‘CaixaForum’ · Ofrecerá actividades diarias de altísimo nivel. La iniciativa privada se compromete a restaurar estos históricos astilleros.

Tras una larga temporada en el centro de la polémica política y ciudadana, el futuro de las Reales Atarazanas, en situación de grave deterioro y sin uso ni contenido (salvo su controvertida condición de subsede de la Biacs en 2006), parece desde ayer despejado: la Fundación La Caixa ha pedido a la Consejería de Cultura, titular del inmueble construido en el siglo XIII por mandato de Alfonso X, la concesión demanial (uso temporal de un bien público) del edificio, en este caso durante 75 años, según confirmó ayer a este periódico la consejera del ramo, Rosa Torres.

El objetivo de la entidad financiera, que se compromete a costear la reforma integral del edificio y su adecuación al nuevo uso, es instalar en él una nueva sede de CaixaForum, que será la tercera más importante de España junto a las de Madrid y Barcelona, sumándose a las también existentes en Lérida, Tarragona y Palma de Mallorca. Las Atarazanas, pues, serían la sede de este prestigioso proyecto sociocultural que albergaría exposiciones, conciertos, obras de teatro, proyecciones cinematográficas, talleres infantiles y programas educativos, entre otras actividades, la mayoría gratuitas y durante todos los días del año.

La Caixa considera que “por sus condiciones históricas, culturales y demográficas”, indicó ayer la Consejería de Cultura, Sevilla es “merecedora de un centro de dinamización cultural de las características del CaixaForum, que dotaría a la ciudad y, por ende, al conjunto de la comunidad autónoma de un equipamiento cultural de primer orden”. Además, la entidad, que viene colaborando estos últimos años en el ámbito cultural con el Ayuntamiento hispalense (por ejemplo, a través la muestra de Rodin que puede verse aún en la Plaza Nueva, o en la programación del Teatro de la Maestranza), estima que las Atarazanas reúnen los “requisitos históricos, arquitectónicos y de ubicación idóneos” para la instalación del CaixaForum.

La caja catalana suele ubicar estas sedes en “edificios de interés histórico-arquitectónico rehabilitados para sus nuevos usos” y de ahí su interés por este inmueble gótico mudéjar del barrio del Arenal. En el caso de Madrid, el último CaixaForum que se ha inaugurado -el pasado 13 de febrero- abre sus puertas en la milla de oro de la ciudad, en la antigua Central Eléctrica del Mediodía, en el Paseo del Prado, próxima a los museos del Prado, Thyssen-Bornemisza y Reina Sofía. En Sevilla, una vez ratificado el proyecto por el Gobierno andaluz (que por ley deberá convocar un concurso público para dar la misma oportunidad a otras propuestas, si surgieran), será “un arquitecto español de renombre internacional” quien se hará cargo de adaptar el edificio, según explicó Rosa Torres a Diario de Sevilla. Sobre los trámites que afrontará ahora el proyecto, la consejera estima que “a mediados del próximo mes de enero” el concurso para esta iniciativa se publicará en el Boletín Oficial de la Junta de Andalucía (BOJA), a lo que seguirá un plazo de 30 días por si otro proyecto se presenta a esta convocatoria.

Torres no ocultó su alegría por lo que consideró “una buena noticia para cerrar el año” y “un acontecimiento que beneficiará a Sevilla, Andalucía y a la cultura”. “La Consejería ha destinado cada año las partidas necesarias para la conservación de las Atarazanas, unos ocho millones de euros. Pero ahora se trataba de darle un uso”, añadió la titular de Cultura, que destacó además que CaixaForum propone una “programación estable de música, danza, conferencias y exposiciones”, una oferta, en fin, que “gusta” a los responsables de la Administración pública, que han acogido “positivamente” este proyecto por su “amplio reconocimiento nacional e internacional” y porque garantiza la “preservación” de esta “pieza tan importante del patrimonio andaluz”.

Con similar entusiasmo aplaudió ayer la iniciativa el Ayuntamiento. Su portavoz y delegada de Cultura, Maribel Montaño, felicitó a la Junta y a La Caixa por promover este centro que haría entrar a la ciudad en un grupo “muy selecto”, motivo por el cual, anunció, la Gerencia de Urbanismo “agilizará” la tramitación de los permisos de obra. Y es que la entidad financiera “tiene mucho interés”, dijo, en que en 2009 haya un “avance significativo” de la restauración.

Igualmente eufórico se mostró el presidente de la Fundación Atarazanas, José Martínez García de Velasco, que calificó la noticia de “un gran regalo de Reyes anticipado para la sociedad civil sevillana”. “Tendremos aquí un espacio museístico e intercultural a la altura de las grandes capitales europeas que sin duda redundará en beneficios económicos para la ciudad”, concluyó.

 http://www.diariodesevilla.es

  

«Que otros se jacten de las páginas que han escrito; a mi me enorgullece lo que he leído».

Jorge Luis Borges (1899-1986)

Escritor, ensayista, poeta, crítico y profesor argentino. Ganador de innumerables premios a excepción del Nobel de Literatura

Tomado de www.proberbia.net

 Le Corbusier. Maestro funcionalista

 

 MARCELO CORTI/14 /04/09. Fotos AFP

La figura de Le Corbusier se desprende por la fuerza evocativa de su legado. Como Joyce en la literatura, como Picasso en la pintura, como Schönberg en la música o Freud en el psicoanálisis, Le Corbusier condensó el espíritu moderno de la arquitectura y concretó un programa innovador que fundó la sensibilidad de una época. Criticada, imitada, reivindicada o reinterpretada, su obra enriqueció y amplió nuestra percepción del mundo. 

Puede ponerse en duda si el suizo-francés Le Corbusier (1887-1965) ha sido o no el arquitecto, diseñador y urbanista más influyente del siglo XX: el canon estético y doctrinario del llamado “movimiento moderno” en arquitectura es la creación de una serie de artistas y arquitectos europeos, muchos de los cuales encontraron en América del Norte y del Sur un notable éxito y la oportunidad de desarrollar un “international style” aún vigente. El caso más evidente es el de los rascacielos vidriados inspirados en el Seagram Building del alemán Mies Van der Rohe. O la didáctica del funcionalismo de la Bauhaus, cuya exquisita elegancia transmitió Walter Gropius desde la Universidad de Harvard. La difusión de la arquitectura moderna racionalista tiene mucho que ver con esta escuela europea de la que “Corbu” fue parte, pero de ningún modo figura excluyente. Sin embargo, Le Corbusier puede asociarse a la figura del creador fundacional, publicista y difusor de las ideas de la modernidad racionalista en viajes alrededor del mundo e incontables intervenciones mediáticas, codeándose con políticos y millonarios en busca de mecenazgos para su “evangelio”.

Charles-Edouard Jeanneret, tal el verdadero nombre de nuestro personaje –el apodo con el que se hizo célebre alude a la imagen de cuervo a la que algunos asociaban su nariz ganchuda–, no realizó en realidad ningún estudio formal de arquitectura ni recibió jamás ese título profesional. Es curioso que las dos grandes figuras enfrentadas de la modernidad arquitectónica, Corbu y el estadounidense Frank Lloyd Wright –genial hacedor de la arquitectura orgánica– tengan en común esa carencia de formación académica. Quizá su común oposición al historicismo de la Escuela de Beaux Arts justifique esa extrema medida de permanecer ajenos a las instituciones formales de aprendizaje.

Lo cierto es que tras algunas construcciones realizadas en su La Chaux de Fonds natal, una experiencia en el estudio de Auguste Perret –el padre del hormigón armado– y aventuras con la vanguardia pictórica parisina, Le Corbusier inicia en los años 20 una carrera de arquitecto que lo lleva en poco tiempo a la posición de vanguardia en materia de modernidad. Ayudan a esto la claridad de sus principios y su habilidad para difundirlos: la arquitectura de la era de la máquina debe ser simple, de volúmenes puros y exenta de ornamentaciones. Algunas de sus frases expresan claramente la raíz de su doctrina; tal es el caso de su poco feliz definición “la casa es una máquina de habitar”; o más clásica “la arquitectura es el juego sabio, correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz”.

Lejos de los tratados clásicos y de los órdenes decorativos, Corbu postula una arquitectura potente y de formas puras, donde los modelos icónicos son los monumentos de la era industrial: el silo y el trasatlántico, el aeroplano y el automóvil fordista, repetitivo y masivo. Sus “Cinco puntos para una Nueva Arquitectura” son el manifiesto más claro de ese Espirit nouveau que proclamaba desde los periódicos y desde sus libros. La planta libre, con tabiques dispuestos según las necesidades funcionales; las columnas redondas de hormigón armado (“pilotis”) que sostienen la obra sin necesidad de grandes muros; las ventanas horizontales para iluminar los ambientes de forma regular; la terraza jardín que recupera la naturaleza ocupada por la construcción y el contacto con el cielo; la fachada libre organizada según el criterio cubista –y no como composición simétrica y clasicista– son los conceptos que lo volvieron único.

No obstante el énfasis del maestro en la radical novedad de su programa, es evidente la vinculación con un clasicismo que Le Corbusier pone en una suerte de negativo fotográfico. Algunos críticos han visto en sus obras de la década del 20, como la Ville Savoye en Poissy (Francia), una interpretación en clave moderna de la arquitectura clásica; sus extraordinarios dibujos de viaje demuestran la atención que puso en obras como el Partenón, el Camposanto de Pisa o Santa Sofía de Constantinopla. Al mismo tiempo, la fluidez de sus espacios atravesados por rampas es una de las pautas por cuales el crítico Sigfrid Giedion vio en la arquitectura moderna una manifestación del concepto de espacio-tiempo introducido en la física por Einstein, a quien Le Corbusier visitó en Princetown, en 1946.

Pero es en materia urbanística donde Le Corbusier es un símbolo al romper con la tradición oficial. Sus intervenciones en los Congresos Internacionales de Arquitectura Moderna (los CIAM) concluyen con la redacción de la “Carta de Atenas”, en 1933, donde se fijan los principios de una especie de “fordismo” urbano consistente en la absoluta separación de las cuatro funciones esenciales: habitar, trabajar, recrearse y circular. La ciudad ideal de Le Corbusier hace tabla rasa de las preexistencias históricas y combina rascacielos empresariales en el centro con condominios residenciales de mediana densidad en la periferia, dispuestas sobre un espacio verde continuo y conectadas por rutas jerarquizadas en un sistema de “siete vías”, desde la autopista regional hasta la senda peatonal, absolutamente segregadas entre sí. El asoleamiento garantizado para todos los habitantes, la eficiencia de las relaciones funcionales y el triunfo de las concepciones industrialistas son el soporte conceptual de esta ciudad. En una visita a Nueva York en los años 30, Corbu sorprende a los vecinos con una frase típica de su arsenal publicitario: “Vuestros rascacielos son demasiado bajos y están demasiado cerca entre sí”.

Le Corbusier pasea sus ideas por todo el mundo en busca de consensos y mecenazgos. Políticamente conservador –“arquitectura o revolución”, llega a plantear como únicas vías alternativas de solución a los males de la ciudad moderna, en un guiño evidente al poder–, es también oportunista en la promoción de sus ideas. En cada ciudad que toca en sus periplos, unas horas le bastan para seducir a las elites locales, encontrar y organizar discípulos que luego lo visitarían en su estudio parisino –de paso se hace tiempo para aventuras amorosas como la que sostuvo a bordo de un trasatlántico con Josephine Baker–.

En su intenso peregrinar, Le Corbusier busca un lugar en el mundo para desarrollar sus principios en sitios tan diversos como la Norteamérica del New Deal de Roosevelt, la Unión Soviética stalinista (donde entre otros proyectos presenta una propuesta para el Palacio de los Soviets), y hasta en el gobierno colaboracionista de Vichy, al que ofrece ayuda para la reconstrucción de Francia. Luego de la Segunda Guerra Mundial, la necesidad de reconstruir ciudades y proveer de vivienda a las multitudes le da algunas oportunidades de intervención. En Francia se construyen algunas de sus unidades de habitación –edificios de viviendas colectivas de gran tamaño rodeados de espacio verde, casi autosuficientes por la inclusión de comercios y servicios– en Marsella, Nantes y Meaux; también logra construir una de estas unidades en Berlín, para la Exposición de 1957.

La gran oportunidad de aplicar sus ideas urbanas se da en Chandigarh, en la India, convocado por el primer ministro Nehru. Pero es justamente en esta realización donde se evidencian las debilidades de su sistema urbanístico: la nueva capital de la región del Punjab resulta una colección de magníficos edificios corbusieranos que, sin embargo, no llegan a constituir una ciudad integrada en el sentido tradicional.

Pocos años después, dos de sus discípulos dilectos realizan el trazado de la nueva capital brasileña y aplican fielmente los preceptos del maestro; son Lucio Costa y Oscar Niemeyer y el aún discutido plano de Brasilia. Para entonces, la estética corbusierana ha experimentado un notable cambio. Su arquitectura se hace más sensual y menos abstracta. Las paredes comienzan a mostrar la huella de su construcción, el hormigón armado adquiere una descarnada corporeidad, casi brutal –de allí el nombre de “brutalismo” con el que se conoce esta etapa de su obra–. La capilla de Ronchamp, con sus misteriosos juegos de luz, y el enigmático convento de La Tourette son expresiones clave de esta etapa.

La arquitectura de Le Corbusier ha influenciado la producción arquitectónica de todo el siglo XX y aún en nuestros días resulta materia de debate y polémica. Al ya mencionado brutalismo, que inspiró a Paul Rudolph y a Kenzo Tange, debe sumarse la vertiente neo-racionalista de Mario Botta, el minimalismo de Tadao Ando e infinidad de propuestas y revisiones a lo largo del mundo. También podría verse en el gusto contemporáneo por los lofts, un eco de los ambientes despojados y la rica espacialidad de la arquitectura residencial de Le Corbusier. O incluso, más allá de la expresión estética, puede encontrarse en la carrera del holandés Rem Koolhaas una réplica de la visión cosmopolita y el afán de difusión mediática de Le Corbusier.

En América, Le Corbusier ha construido obras fundamentales como el Centro de Artes Visuales de Harvard en Cambridge, Massachussets, el Ministerio de Obras Públicas de Río de Janeiro (Brasil) o la Casa Currutchet, en La Plata (Argentina). A pesar de su novedad y su irreverencia, en todas es perceptible un rasgo característico de las obras corbusieranas: su perfecta adecuación al lugar en el que están implantadas. Una adecuación que se basa en la comprensión profunda del carácter del sitio, y no en la mera imitación formal. La citada Brasilia, el frustrado edificio de las Naciones Unidas en Nueva York y la influencia de sus planes para varias ciudades latinoamericanas (como Buenos Aires, Río de Janeiro, San Pablo, Río y Bogotá) son otro aspecto de su rico legado.

Ahora bien, las ideas urbanísticas de Le Corbusier son hoy obsoletas –el paradigma de la separación funcional es perceptible en la ciudad contemporánea, pero más por condicionantes de mercado que por aplicación de las ideas de la “arquitectura moderna”–; su arquitectura, y especialmente la residencial, ha sufrido críticas respecto a su escasa consideración por necesidades humanas básicas como la privacidad. Pero lo fundamental de las ideas corbusieranas continúa siendo un estimulante abordaje a la experiencia contemporánea de habitar. Como Joyce en la literatura, como Picasso en la pintura, como Schönberg en la música o Freud en el psicoanálisis, Le Corbusier sintetiza el espíritu moderno y formaliza un programa renovador que instituyó la sensibilidad de una época. Criticada, imitada, reivindicada o reinterpretada, su obra enriqueció y ensanchó nuestra percepción del mundo.

 

 Fundación Le Corbusier: http://www.fondationlecorbusier.asso.fr/

 

 

 

“Hay que hacer las cosas con poco”

 

Una exposición recorre la obra de la arquitecta Benedetta Tagliabue

M. JOSÉ DÍAZ DE TUESTA - Madrid – 13/10/2009

No suele ser muy habitual encontrar en una exposición los proyectos con los que el autor ha logrado el éxito junto a los que se quedaron en el cajón, en igualdad de condiciones. La arquitecta Benedetta Tagliabue (Milán, 1963) pertenece a esa clase de personas que quiere por igual las obras con las que ha logrado gran notoriedad (Mercado de Santa Caterina y el edificio de Gas Natural, en Barcelona, o el Parlamento de Escocia), como los inéditos (remodelación de la fábrica de Carlsberg, en Copenhague o un parque en Seúl). La exposición, hasta el 23 de octubre en la Universidad Europea de Madrid, repasa la trayectoria del estudio EMBT (las siglas de su marido fallecido Enric Miralles y las suyas).

“Los trabajos que van a los cajones van conformando la base de tu fuerza. Al año pueden salirte 10 concursos y con suerte ganas uno o dos”, dice muy expresiva como buena italiana. La muestra recorre todas las escalas de la arquitectura. “En España los arquitectos nos ocupamos de todo, desde grandes edificios hasta escenografías y nos parece normal, pero no lo es. Es una especificidad de los españoles y es una gran suerte”.

Mientras camina por los alrededores de la universidad, en un día que ha regresado a la primavera, lo observa todo. El pequeño puente que une distintos pabellones: “tiene un punto japonés”; o cuando descubre una especie de cascada: “el agua siempre está bien”. Con la misma naturalidad, su exposición (o lo que es lo mismo, EMTB) salta de una escala a otra. Los pequeños elementos, como las escenografías para Merce Cunningham en su 90 cumpleaños, y para la ópera El ocaso de los dioses (2008), con La Fura del Baus; o la instalación From I to J, para una escenografía de Isabel Coixet con textos de John Berger.

Están las viviendas (en Barajas, premiadas en la Bienal de Arquitectura 2005), ahora en el foco de atención, quizás como resaca de tantos edificios estrella. “Antes casi nunca ganaban los concursos y ahora es al revés, el último Premio FAD ha galardonado a una vivienda que casi no tenía nada, pero con una intención increíble”. Y están los grandes proyectos como sus intervenciones en el que se considera uno de los planes urbanísticos más importantes de Europa, Hafencity, una nueva ciudad en el puerto de Hamburgo o el pabellón de España para la exposición de Shanghai.

El lema de Tagliabue es “hacer las cosas con poco”. Con más razón en tiempos de crisis, pero dice que por mucho que ahora sea tendencia, siempre ha estado muy atenta a la escala humana de la arquitectura. Empezando por el calificativo que aplica a EMTB: “Nos consideramos más un atelier que un despacho profesional que tiene que hacer business, es un estudio artesanal”, que busca su camino tras fallecer Miralles. “Yo hago algo más narrativo, quizás más ligero, voy en otra dirección que aún no sé cuál es”.

Tras recorrer la exposición, le esperan unos 300 estudiantes, que revientan el aforo, a los que iba a impartir una conferencia. ¿Y qué les va a contar? “Que mi actitud es intentar hacer las cosas bien y ser creativo. Nunca como ahora está cambiando todo y los arquitectos tenemos que encontrar nuestro camino”. ¿Sólo ellos?

Página oficial EMBT: http://www.mirallestagliabue.com/

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Medina Azahara se explica a sí misma

 

Un nuevo centro museográfico y de gestión cambia las visitas al yacimiento

MANUEL J. ALBERT - Córdoba – 05/10/2009

La manera de visitar Medina Azahara, uno de los yacimientos arqueológicos más importantes del mundo, está a punto de cambiar. El viernes que viene, la Reina inaugurará en Córdoba la Sede Institucional y Área de Gestión Integral del conjunto histórico. Una celebración que durará semanas y contará con conciertos como los del sábado de Noa, Miguel Poveda y el músico argelino Rachid Taha. A partir de entonces, quien se asome a los restos del palacio califal más importante de la España Omeya, descubrirá el verdadero significado de las ruinas que ahora lo componen.

“La inauguración va a cambiar Medina Azahara en varios sentidos”, confirma el director del complejo, Antonio Vallejo. “Por un lado, va a variar en la percepción del lugar, ayudando a los visitantes en la comprensión, explicación y posterior visita al lugar”. Y es que algunos aspectos esenciales de Medina Azahara son fácilmente comprensibles por el visitante, como la importancia que para los habitantes del lugar tenían la naturaleza, el paisaje y su traducción en el uso y disfrute de los jardines.

“Pero, por otro lado, hay otros valores mucho más complejos que no llegan directamente y que tienen que ver más con un conocimiento y una explicación más profunda. ¿Qué es, cómo se formó, por qué, cuál es su importancia social, cómo era su arquitectura y cómo se representaba, cómo se destruyó y cómo se ha recuperado?”, plantea Vallejo. “Todas esas preguntas sólo pueden responderse con la instalación museográfica que hemos añadido”, contesta. El propio Vallejo ha sido, junto a Manuel Acién, profesor de Historia Medieval de la Universidad de Málaga, y un equipo de cuatro personas de Medina Azahara, quien ha dotado de contenidos al nuevo centro.

Para albergar la muestra y todos los servicios del complejo edificio, los arquitectos Fuensanta Nieto y Enrique Sobejano han planteado un diseño de casi 10.000 metros cuadrados enclavado al lado de las ruinas y con vocación de pasar inadvertido. Después de caminar por sus salas, los huéspedes se desplazarán en autobús lanzadera hasta el yacimiento. En unos años, también será posible pasear a pie, de manera más natural, desde el museo, al enclave del palacio, que ya estarán plenamente integrados.

La idea de los arquitectos era jugar con la analogía del trabajo de los arqueólogos, que buscan historias bajo tierra. “Por eso decidimos hacer una excavación imaginada y enterramos el edificio, casi como si fuese una parte del yacimiento”, explica Sobejano. También, en los materiales empleados y en el diseño, se mantuvo un diálogo con el pasado de Medina. “Nuestra arquitectura es plenamente contemporánea, pero el edificio está iluminado gracias a los patios, como en las casas árabes tradicionales. En nuestro caso, la piedra la sustituimos por el hormigón, recordando a los estucos blancos de Medina. Para recordar a los estucos rojos originales, usamos el acero oxidado”. Todos estos componentes arquitectónicos, unidos al uso de la luz y el agua, permitirán al visitante vivir una sutil sensación de reminiscencia árabe en cada rincón.

Cuando se inaugure, la exposición se articulará en torno a los periodos más relevantes de Medina Azahara. Primero, como ciudad califal entre los años 936 y 1013. La muestra proseguirá centrándose en los habitantes de Medina, ilustrando su vida a través de piezas interesantes como la Cajita de Wallada o el Candil con forma de Rasiqu. La exhibición contará con una interesante muestra epigráfica y decorativa de la mezquita del yacimiento. Elementos vitales como el agua se representarán en piezas centrales, como el surtidor en forma de Cervatillo. La muestra sigue con los habitantes del Alcázar; con la vida del califa y su príncipe heredero, y la destrucción del complejo palaciego y posterior recuperación.

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              Heidi Weber Museum. Zurich, Suiza . Le Corbusier 1964-1967             

                                                                                

Carpenter Center for de Visual Arts. Harvard University, EE UU . Le Corbusier. 1962

 

Unidad de Habitación. Firminy Vert, Francia . Le Corbusier. 1962

 

 Capilla de Notre Dame du Haut. Ronchamp, Francia . Le Corbusier. 1955

 

Villa Saboya. Poissy, Francia . Le Corbusier. 1929

 

 Villa Stein. Vaucresson, Francia . Le Corbusier. 1927

 

  

Villa La Roche-Jeanneret. París, Francia . Le Corbusier. 1922

 

Lacras urbanas

La amalgama de adherencias mina la dignidad arquitectónica de los edificios y convierte la ciudad en un sucio vertedero

VICENTE PATÓN  11/09/2009

Entre los arquitectos es habitual hablar de piel para aludir a la capa superficial y envolvente de los edificios, pues la función reguladora y protectora de este elemento constructivo es similar a la del epitelio biológico. Esa manifestación externa de la arquitectura define su carácter visual y contribuye -como pieza de la entidad superior que es la ciudad- a crear un paisaje urbano con cualidades positivas o negativas.

Esa piel fabricada incorpora a veces distintos tipos de prótesis que completan sus funciones, como toldos, maceteros, luminarias o antenas, que si se añaden de forma planificada y con buen criterio no sólo no perjudican al edificio, sino que le aportan el dato vivo y cambiante de la presencia humana, que siempre se ha hecho visible en la arquitectura y especialmente en la de viviendas.

El que estas adiciones posteriores se hayan convertido en una anomalía es un suceso relativamente actual, generado por una visión introvertida, puramente tecnicista y utilitaria de la arquitectura, que ignora los componentes sociales y expresivos de la misma y que confiere a toda supuesta mejora técnica una relevancia que justifica su implantación a cualquier precio.

Esta intención dominante que parece hacer admisible el derecho a colgar aparatos de aire acondicionado en las fachadas, a grapar todo tipo de cables y tuberías o a sembrar con antenas de variados modelos no sólo los tejados, sino los balcones y ventanas, se ve potenciada por una secular dejadez del control y disciplina municipales que deberían imponer unas condiciones mínimas a cualquier cambio o añadido, con el agravante de que ese mismo abandono se extiende a otros postizos más graves y menos justificables desde el punto de vista técnico, y así vemos cómo se cierran terrazas y balcones con múltiples tipos de carpinterías, se cambian las ventanas a gusto del consumidor, hasta perforando las fachadas de forma arbitraria y sin rematar los aspectos exteriores de la obra, o se colmatan las terrazas de los áticos con verandas y suplementos de todo tipo, aspecto y condición.

La amalgama que se produce de adherencias descontroladas va minando la dignidad arquitectónica de edificios que la tenían, baja aún más la calidad de las edificaciones corrientes y convierte la ciudad en un sucio vertedero regido por la despreocupación de los ediles y el egoísmo de los particulares.

La esquina de Miguel Fisac

Estas actitudes, unidas a la pasividad e incluso la complacencia con el controvertido fenómeno de los graffiti y el ataque masivo de los rótulos publicitarios, van dando a Madrid un aspecto sórdido y ramplón, mucho más agravado en los barrios nuevos, aunque tampoco se libre del mal el centro histórico, al que atacan todo tipo de intromisiones inadecuadas, algunas tan ruidosas como los aparatos sobre la cubierta que han destruido la perspectiva de la esquina de una de las mejores obras de Miguel Fisac, entre las calles de Velázquez y Joaquín Costa, por citar un caso especialmente molesto e incomprensible al tratarse de un edificio público, que además ha sido objeto reciente de una costosa restauración.

Y no se trata de congelar cualquier posibilidad de hacer cambios en los edificios, porque los que están en esa situación inamovible por valor y grado de protección son pocos en proporción con el total de la ciudad -y además las intervenciones pueden ser justificadas y hasta deseables-, sino de evitar que cualquier operación que afecte a su presencia exterior se haga de forma irreflexiva, empeorando lo que hay debajo. Es lo que históricamente se conocía como “decoro” y que no consiste tanto en el adorno como en la limpieza y dignidad de presencia.

Los instrumentos legales existen, porque las normativas vigentes impedirían casi todo lo que se hace en estos aspectos, pero una vez más no se aplican tanto por falta de interés en cuanto a tomar medidas impopulares como por escasez de recursos destinados a estos fines de inspección, e incluso por el desacertado interés en favorecer cierto desarrollo industrial, o por un trato ancestralmente deferente con las compañías de servicios.

En cuanto al ciudadano de a pie, sufre su entorno con la mirada encallecida, como un mal inevitable, y sólo se queja y efectúa denuncia si se ve directamente privado del sol o las vistas. Otra cuestión más espinosa es el incomprensible silencio de los profesionales con capacidad de opinión y sentido crítico, que también parecen asumir este fatalismo del descontrol, aunque no faltará quien encuentre justificaciones al caos en la espontaneidad de la arquitectura popular -que nada tiene que ver con la compleja y vertiginosa realidad actual- o en las proclamas de los nuevos apóstoles de la anarquía urbana, que propugnan una arquitectura aditiva y parasitaria aprovechando los resquicios de la legalidad, como ingenua respuesta contra el mefistofélico chivo expiatorio del sistema, echando más gasolina a un fuego que ya arde desde hace mucho tiempo y del que ellos parecen no haberse enterado.

        

Y a todo esto no estamos hablando de lo que ocurre más abajo de las fachadas, en el propio pavimento, cada vez más poblado de obstáculos no siempre necesarios que se añaden a los que ya enturbian los edificios, tema que también se ignora habitualmente y que merece al menos una reflexión si se quiere poner remedio a algunas de las lacras que padece la ciudad.         

Vicente Patón es arquitecto

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«Todo el que disfruta cree que lo que importa del árbol es el fruto, cuando en realidad es la semilla. He aquí la diferencia entre los que creen y los que disfrutan».

Friedrich Nietzsche (1844)

Filósofo, poeta y filólogo alemán. Considerado uno de los pensadores más influyentes del siglo XIX

Tomado de El libro de las mil mejores frases. P.128

 

Zapatillas y rascacielos

El parque High Line, el New Museum y el futuro museo Whitney de Renzo Piano, estrenos en la Gran Manzana. Nueva York ha vuelto a conseguir lo imposible: renacer de sus cenizas y reconquistar su lugar como epítome de la modernidad urbanística.

BÁRBARA CELIS  05/09/2009

Desde finales de los ochenta, esta ciudad vivió principalmente de las rentas de ese glorioso pasado cultural y arquitectónico adquirido con sus revolucionarios rascacielos a principios del siglo XX, pero como ciudad apenas contribuyó a marcar la diferencia en los albores del XXI. Luego llegaron los ataques del 11-S y una década de confusión en la que Pekín, São Paulo, Barcelona o Berlín le robaron protagonismo. Hasta ahora.

En los últimos dos años, diversos proyectos han confluido en Nueva York y han conseguido que esta ciudad, que optó por venderle su alma a la especulación inmobiliaria, con la consiguiente mediocridad estética, vuelva a ocupar un trono privilegiado entre las urbes con ideas de vanguardia. La más revolucionaria es el parque High Line www.thehighline.org, inaugurado el pasado junio, un espacio abierto a la imaginación que atraviesa la ciudad a nueve metros del suelo, por encima del tráfico y por debajo de las nubes, con aspiraciones de voyeur indiscreto y de lugar para la evasión. Tiene vistas tridimensionales a los rostros de los peatones, a las parejas en la intimidad de los edificios y, sobre todo, a una ciudad que se funde de forma insólita y original con la mismísima esencia de un parque en el que la vegetación se mezcla con el cemento y juega a robarle espacio como lo hizo durante décadas mientras fue una vía de tren abandonada.

El parque (con accesos en las calles 14, 16, 18, 20 y Gansevoort) habita sobre los 2,4 kilómetros de hierro horizontal por los que viajaba un tren elevado que dejó de usarse en los pasados años treinta y que inexplicablemente mantuvo intacta su estructura de hierro entre edificios hasta que un grupo de vecinos propuso transformarlo en un parque y triunfó frente a los tiburones inmobiliarios que abogaban por su desmantelamiento. Su nacimiento es el colofón a una serie de novedades arquitectónicas y urbanísticas que tienen como eje central humanizar el espacio donde se desarrolla la vida ciudadana de Nueva York.

Según Ricardo Scofidio, del estudio Diller Scofidio + Renfro, responsable tanto del parque High Line como del nuevo y espectacular auditorio del Lincoln Center Alice Tully Hall, “ha sido Europa la que le ha devuelto a Nueva York la idea de que la arquitectura tiene que servir para contribuir a hacer más habitables los espacios públicos”. Él lo atribuye al llamado efecto Bilbao, provocado por el Museo Guggenheim, “que hizo que los políticos descubrieran que la arquitectura podía imprimir carácter a la ciudad y ayudar a sus reelecciones”, y la extensión de ese efecto es que, por fin, se empieza a pensar en los arquitectos como “agentes que pueden contribuir a través del diseño a mejorar los espacios públicos”. El parque High Line y el auditorio Alice Tully Hall, cuyo hall abierto y acogedor se ha transformado, sin premeditación, en un punto de encuentro natural para los ciudadanos del barrio que circunda el Lincoln Center, son excelentes símbolos de cómo humanizar la ciudad a través de proyectos inteligentes y visionarios.

Scofidio, además, subraya lo importante que es el papel de los políticos, incluso si su implicación no es desinteresada. En el caso de Nueva York, el alcalde Michael Bloomberg puede justamente llevarse una parte del mérito. Gracias a él la ciudad está cubriéndose de vías verdes para ciclistas, y en lugares en los que antes se reverenciaba el poder del asfalto, como en las plazas de Times Square, Madison Square o Herald Square, han nacido este año insólitas islas de tumbonas, sillas y mesas que le han robado terreno al tráfico y le han entregado el poder al peatón.

Como escribe Nicolai Ouroussoff, crítico de arquitectura de The New York Times, “esta visión subraya el efecto positivo que puede ejercer un Gobierno en dar forma a los espacios públicos después de décadas de pasividad en las que se permitió que los intereses privados tomaran el mando”.

Un estadio transparente

No obstante, Nueva York también ha perdido algunas joyas que pudieron ser y no fueron. Para los anales de la historia de la arquitectura imaginada quedarán los diversos proyectos públicos que Frank Gehry elaboró y nunca construyó en una ciudad que acaba de rechazar el último que aún aspiraba a ser real: Atlantic Yards, una zona residencial en el barrio de Prospect Heights, en Brooklyn, cuyo epicentro iba a ser un estadio de baloncesto transparente para los New Jersey Nets y diversos edificios con los que se aspiraba a revitalizar esta zona. Agobiado por la crisis, el constructor Bruce Ratner ha preferido poner el proyecto en manos de un arquitecto anónimo privando a la ciudad de lo que podría haber sido un nuevo foco de vida urbana. Gehry aspiraba a estimular el área creando un alter ego elegante y sofisticado de Times Square en el corazón de Brooklyn y espacios públicos que revitalizarían un área que hoy es una mezcla fría entre descampado, estación y viejos edificios. Eso sí, muchos de ellos son de renta antigua, por lo que la propia supervivencia de los vecinos les ha convertido en opositores del cambio.

En otros barrios de la ciudad, en cambio, incluso la falta de entusiasmo vecinal ante la llegada de un edificio se ha transformado, tras construirse, en optimismo. Ocurrió con el New Museum www.newmuseum.org, ese blanco y asimétrico edificio de cajas superpuestas proyectado por los japoneses Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa (el estudio SANAA) que se inauguró hace casi dos años. Cuando se anunció su llegada a la calle Bowery en 2003, la sensación general fue que subirían los alquileres y que el barrio, el East Village, se convertiría en carne de inmobiliaria desalmada. En parte así fue. El mítico local CBGB, donde nacieron el punk y los Ramones, tuvo que cerrar, como también se vio obligada a cerrar esta primavera la mítica Amato Opera.

La especulación facilitó la llegada de rascacielos anodinos que aniquilaron el paisaje de casas bajas característico de la zona, aunque últimamente algún edificio interesante ha echado raíces, como el inquietante Cooper Union for the Advancement of Science and Arts, firmado por Morphosis. Pero quizá lo más relevante sea la explosión de vida a pie de calle en un barrio que en apenas dos años se ha convertido en el segundo centro de peregrinación artística después de Chelsea. Con la llegada del New Museum también llegaron decenas de galerías, como Reena Spaulings o Eleven Rivington, centradas sobre todo en jóvenes artistas. Y con ellas llegaron bares como el White Slab Palace, restaurantes como el Allen and Delancey y decenas de boutiques coquetas que han contribuido a convertir el Lower East Side, East Village y parte de Chinatown en uno de los nuevos barrios de moda de la ciudad, en ardua competencia con el Meatpacking District.

El barrio de los mataderos, que fue popularizado por la serie Sexo en Nueva York, con sus clubes pijos y sus boutiques de Stella McCartney, también está viviendo un resurgir arquitectónico. Allí arranca la High Line, en la calle Gansevoort, y precisamente en su primer tramo se construye ahora lo que será la segunda sede del Whitney Museum, un proyecto de Renzo Piano que contribuirá a dibujar ese nuevo skyline que sin duda marcará los cielos de  filmografía del XXI.  

En ese nuevo horizonte ya está el Standard Hotel (848 Washington Street), una mole de cemento y cristal que parece flotar delicadamente sobre el High Line. A sus pies se ha creado una plaza cuya hostilidad de hormigón contrasta con un mobiliario urbano de colores que invita al paseante a sentarse frente al edificio y observar los extremos estéticos del barrio circundante. El hotel, proyectado por Todd Schliemann, de Polshek Partnership Architects, acaba de ganar el premio al mejor nuevo edificio del año que concede la Sociedad Municipal de Arte de Nueva York. Esta institución, comprometida con la planificación urbana inteligente, también ha premiado la nueva caseta de venta de billetes para Broadway que se ha instalado en Times Square. Con casi una década de retraso respecto a lo proyectado, esta caseta-anfiteatro de cristal se inauguró el pasado otoño y se convirtió en una de las nuevas atracciones de la ciudad. No sólo es el lugar en el que encontrar entradas baratas para los espectáculos de Broadway. Su escalinata transparente sirve de anfiteatro para observar, gratis, la orgía de pantallas, anuncios, letreros e hiperactividad que hace de Times Square una pesadilla para el neoyorquino y una atracción hipnótica para el visitante.

Luces con arte

A lo largo de la High Line, que en el futuro llegará hasta la calle 34 -hasta ahora sólo se ha abierto un primer tramo entre Gansevoort y la calle 20-, hay otros edificios que marcan la entrada en el nuevo siglo arquitectónico neoyorquino. Entre el parque y el río Hudson hay uno de Frank Gehry, el único que tiene la ciudad. Es pequeño, privado (pertenece a una empresa) y tan poco ostentoso que es difícil saber que es suyo, pero su blanca elegancia indica que está firmado por alguien con talento. Junto a él desfilan o desfilarán (está lleno de proyectos en construcción) nuevos edificios residenciales de Jean Nouvel, Annabelle Selldorf o Audrey Matlock.

Además, quienes ya estaban instalados sobre el High Line también contribuyen a enriquecer el nuevo espacio. La casa de subastas Phillips, De Pury & Company www.phillipsdepury.com, ha iluminado sus salas de tal forma que si uno pasea de noche por el parque casi puede tocar y admirar las obras que allí se exhiben. Y aún mejor: una vecina que llevaba treinta años viviendo sobre un edificio que se asoma a aquellas ex vías de tren ha aprovechado su ubicación y las luces del nuevo parque y ha creado el High Line Renegade Cabaret: cada semana organiza un concierto o espectáculo sobre las escaleras de incendios de su edificio. ¿Su público? Cualquiera que esté dispuesto a mirar hacia el Nueva York del siglo XXI.

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Entrevista a Alberto Campo Baeza en la Revista de Estilo de El Mundo. 2008

 

¿Qué piensa de los cinco o seis arquitectos que se han convertido en estrellas mediáticas?

Yo creo que hay un punto difícil de equilibrio en la relación con la fama, porque si uno se arroja en sus brazos o en los brazos del dinero se disuelve la potencia creadora. Un escritor que escribe cinco libros al año no escribe con la calidad de otro que escribe uno. En la labor de creación también existe una fast food. Son los Ken Follet de la arquitectura, los arquitectos que están haciendo 30 obras a la vez.

En cualquier caso, su notoriedad es síntoma del creciente interés que empieza a suscitar la arquitectura.

Bueno, en realidad la gente da más vueltas en el mercado para comprar un kilo de peras que para comprar un piso. Podrían enterarse de quién es el mejor arquitecto, sobre todo cuando en España es posible contratarle por el mismo dinero que al peor de ellos. Una de las razones es que hay poca información por parte de los medios, pero también inciden otros factores. Yo hago unas casas totalmente contemporáneas con absoluto convencimiento de que en ellas se va a vivir muy bien. Lo que no hago son casas al estilo burgués convencional. Es absurdo que la gente monte su casa como se hacía hace 50 años, porque los modos de vida han cambiado. ¿Qué hace usted con un grifo con forma de pez y dorado?

          

¿Y cómo le hace la batalla a lo convencional?

No me resigno. Procuro atacar trabajando lo mejor posible, de una manera my fuerte, muy radical. Cuando hago arquitecturas económicas, con precios equiparables al de los pisos subvencionados -la casa De Blas costó 22 milones de pesetas-, intento demostrar que con esos medios se pueden hacer casas sobrias con toda la riqueza espacial y la belleza, que es gratis. Mi aportación personal es dar el mayor rigor y profundidad a mis obras.

¿Cómo describiría la arquitectura que propone?

Muy lógica. No soy minimalista, lo que busco es una arquitectura esencial. No creo en el minimalismo. Sí en la sobriedad y en la contención formal. La arquitectura se hace con luz y gravedad. La luz hace referencia al paso del tiempo y la gravedad al espacio. Con la gravedad, con los muros, los pilares, la materialidad de la arquitectura, creas el espacio para trasmitirlo al hombre, el centro de la arquitectura. ¿Cómo se trasmite? Con la luz. Son elementos esenciales de la arquitectura que me interesa, la de Adriano en el Panteón, la de Tralles y Mileto en Santa Sofía o la de Le Corbusier en Ronchamp.

Pero sus propuestas no siempre son entendidas…

Es difícil con la arquitectura infame que se está construyendo, sobre todo cuando se debe distinguir de una arquitectura exquisita que no es habitual. Por ejemplo, la casa de Sevilla la Nueva les parece rarísima a los vecinos de la urbanización. ¿Cuándo empiezan a entender que aquello no es horroroso, que realmente es muy bueno? Cuando ven que viene un equipo de Gran Bretaña para rodar un anuncio porque dicen que es la única casa europea verdaderamente de vanguardia.

Supongo que sus clientes estarán en sintonía con la forma de hacer por la que usted apuesta…

Alguien que viene a mí no viene a ciegas, seguro que ha visto mis obras y les gusta esta arquitectura más sobria, más esencial. Si quieren otras cosas se van a Calatrava.

¿Y siempre son conscientes de toda la carga de profundidad que imprime en sus casas?

Las obras que hago más profundas, más rigurosas, dependen en gran parte de los clientes. Luego, ellos pueden entender que lo que yo hago es más o menos riguroso. Cara a la galería, mi prestigio viene de que salgo en determinados medios. Hay arquitecturas que no son nada valiosas, pero que aparecen en los medios y obtienen ese reconocimiento. Sobre esta cuestión tengo un amigo que dice que, donde unos dan gato por liebre, dar liebre por gato, dar más de lo que la gente pide.

Tomado de:  http://actituds.wordpress.com/2008/05/28/campo-baeza-minimalista-o-esencial/

 

Alberto Campo Baeza nació en Valladolid en 1946, vio la luz en Cádiz y la Arquitectura en Madrid en 1971. Profesor (1976)y Catedrático de Proyectos (1986) en la Escuela de Arquitectura de Madrid en la que fue ese mismo año Director del Departamento de Proyectos . Ha sido profesor en Zürich (1989- 1990), Dublín (1992), Nápoles (1993), Virginia y Copenhague (1996), Lausanne (1997), Filadelfia (1986 y 1999), BAUHAUS en Weimar (2002) y IIT en Chicago (2003) y en Kansas S.U. (2005),y Visiting S. en Columbia University, New York (2003). Además ha dado numerosas conferencias destacando Harvard (2002), Miami (2002), Columbia U. New York (2002 y 2008), IIT Chicago (2003), Basílica de Palladio Vicenza (2004), China (2007), Porto (2007) y Mendrisio (2007).

Entre sus obras más conocidas destacan el Ayuntamiento de Fene (1980), los colegios de S. Fermín en Madrid (1985) y Drago en Cádiz (1992), el Centro BIT en Mallorca (1998), la Plaza de la Catedral y edificio de oficinas en Almería (2001) y la sede central de la Editorial SM en Madrid (2003). Son muy conocidas y representativas algunas de sus viviendas como las casas Turégano, García Marcos y De Blas, todas en Madrid, y la casas Gaspar, Asencio y Guerrero, en Cádiz. Es significativo su proyecto de torre, la más alta de España, para la Ciudad de las Comunicaciones de Telefónica. Su edificio más representativo es el de las oficinas centrales de Caja Granada en Granada (2001).

         

En 2007 se ha inaugurado su Guardería para Benetton en Ponzanp-Venecia, y en 2008 se terminará la casa Olnick Spanu en Garrison, Nueva York, su primera obra en U.S.A. Y está en avanzada construcción el MA, Museo de la Memoria de Andalucía en Granada.

               

Ha obtenido diversos premios por sus obras entre los que destacan el premio al mejor pabellón de la Bienal de Venecia (2000), el premio de la Bienal de Miami (2002) y premio COAM (2002) por la casa De Blas, premio COAB (2003) por Centro BIT en Mallorca, premio COAAO ARCO (2004) por el edificio de oficinas en Almería. Y en 2005 el premio EDUARDO TORROJA por Caja Granada y el premio de la Feria de Verona por el edificio de oficinas de Almería. Un libro sobre sus textos, “LA IDEA CONSTRUIDA”, está ya en su séptima edición en castellano y la primera en portugués, y se han publicado monografías sobre su obra en España (“CAMPO BAEZA 1971-1996″, Ed. Munilla Lería. Madrid, 1996), en Estados Unidos (“CAMPO BAEZA”, Rockport Ed. Massachusetts, 1997), en Japón (“CAMPO BAEZA”, Graphic-Sha Ed. Tokyo, 1997). Y la versión en inglés de la última monografía (“ALBERTO CAMPO BAEZA” Gustavo Gili Ed. Barcelona 1999), que acaba de reeditarse actualizada en italiano (“ALBERTO CAMPO BAEZA” Electa Ed. Milán, 2004). Un DVD con 3.333 dibujos y croquis se editó con motivo de su Exposición en la Fundación COAM de Madrid en 2006 y está a punto de publicarse en 2008 uno nuevo con muchos más dibujos.

            

En 2007 ha sido nombrado Miembro del Patronato de la Fundación General de la UPM y Miembro Titular de la Comisión de Acreditación para el acceso a los cuerpos docentes universitarios en el Área de Proyectos Arquitectónicos. Su obra ha sido ampliamente divulgada y publicada en numerosos libros y en las más importantes revistas de arquitectura del mundo. Y se ha expuesto en numerosas ciudades. Una gran exposición sobre su trabajo tuvo lugar en el Crown Hall del IIT en Chicago en 2003 que más tarde se trasladó al Urban Center de New York y en 2004 a la Basílica de Palladio en Vicenza (Italia), y en 2005 en la Basílica de Sta. Irene en Estambul. En 2006 se expuso en el MOMA de New York en “On-site: New Architecture in Spain” su proyecto para el MA, Museo de la Memoria de Andalucía en Granada. Y en 2007 en Madrid, en el Real Jardín Botánico.

http://www.campobaeza.com/

 

 

Kengo Kuma, el arquitecto matérico

 

ANATXU ZABALBEASCOA  29/08/2009

Autor de casas de agua, aire o bambú, el proyectista japonés ha encontrado su lenguaje creativo en los materiales, más allá del espacio y la luz. ”Uno de los pecados de la arquitectura del siglo XX fue utilizar los materiales como un vestido, como un maquillaje”

Kengo Kuma ((Kanagawa, 1954) conoció la tradición arquitectónica de su país cuando salió a dar clases en la Universidad de Columbia en Nueva York, y cuando descubrió las interpretaciones de esa cultura hechas desde ojos extranjeros. Analizando esas visiones dio con una voz propia como arquitecto, que le lleva a valorar los materiales por encima de las formas. Autor de viviendas de bambú o cristal, ha firmado también museos (Kitakami Canal, 1994), edificios de oficinas (Suntory en Tokio, 2005) y, últimamente, espacios expositivos, como el que llevó a la Trienal de Milán. El nexo entre sus trabajos es la preocupación por los materiales.

Uno de sus edificios más famosos, el Water Glass, lo diseñó pensando en el Hyuga, el único edificio que Bruno Taut levantó en Japón. Usted comparte con Taut la preocupación por la relación entre arquitectura y naturaleza. Pero interpretó esa cuestión de otra manera. ¿Cree que la arquitectura debe reinterpretar siempre los mismos temas?

Creo que uno de los objetivos más importantes de la arquitectura es ese. Aunque en el siglo XX nos hayamos olvidado de otros objetivos. Hoy parece que si no resuelves la cuestión de la reinterpretación es como si no hicieras arquitectura. Hyuga fue una vivienda pionera. La visité y me impresionó. Fue cuando estaba diseñando mi casa de agua y ese descubrimiento se refleja en mi trabajo. 

¿La arquitectura se debe reinterpretar también desde el punto de vista material? ¿Teflón en lugar de piedra?

Lo peor de la arquitectura del pasado ha sido siempre el límite en los materiales empleados. Se ha trabajado con muy pocos: hormigón, acero, ladrillo y cristal. Y los materiales son una de las esencias de la arquitectura, posiblemente, la que más me interesa estudiar. Creo que nuevos materiales hacen posibles nuevas experiencias. 

¿Cree que la impresión y la sensación que provoca un edificio depende más de los materiales que de otros aspectos más valorados por la mayoría de arquitectos como el espacio o la luz?

Sí. Para mí, el material es crítico. Más importante que espacios o formas.

¿Por qué?

El cuerpo humano es un material.

Pero el cuerpo humano también es una forma.

Claro. Pero la forma varía con las personas. El material es el mismo. 

Usted suele elegir un solo material para cada edificio. ¿Por qué limitarse?

Busco experiencias intensas. La variedad de materiales en un edificio debilita su experiencia y su impacto. Me interesa la arquitectura capaz de generar recuerdos fuertes, y eso se consigue con una experiencia fuerte, que llega, a veces, de la mano de un material. 

Cree entonces que en arquitectura limitar es fortalecer.

Sin duda.

Usted limita la elección de materiales pero rompe los volúmenes. Es decir, no elige el volumen más sencillo. ¿Por qué?

No me interesan los materiales que sólo funcionan en la superficie. Ése es uno de los pecados de la arquitectura del siglo XX: utilizar los materiales como un vestido, como un maquillaje. El siglo XX ha trabajado recubriendo con piedra o aluminio, forrando. A mí eso no me interesa. Prefiero exponer los materiales. Para eso debo trabajar con ellos. Rompiendo las formas los desvelo.

¿Cree que pavimentar o recubrir es falsificar la arquitectura?

Es el método Disneylandia. Llámelo truco o falsedad, una especie de nostalgia comercial. No me interesa. Tiene muy poco que ver con la verdad.

¿Qué le inclina a elegir un material?, ¿la calidad?, ¿el precio?

A veces, el precio. Evidentemente es más caro trabajar con un material macizo que con coberturas. Pero el precio cambia si uno, además de escuchar al lugar y observar el terreno, atiende a la cultura. Se fija en cómo se ha construido tradicionalmente en un lugar. Los mejores materiales son los autóctonos, los del lugar. Lo que sale del contexto funcionará como material. De nuevo, el método del siglo XX es contrastar el medioambiente: cristal y acero en asfalto, madera en piedra. El mío es lo contrario. No me interesa que la arquitectura contraste con el medioambiente. Me interesa que se funda con él. 

Ésa es la tradición japonesa, ¿no?, sumarse al paisaje.

Los carpinteros japoneses siempre tratan de usar la madera local. La de árboles que no crecen en el lugar no les interesa. Ellos dicen que no funciona. 

¿Y usted lo comparte?

Lo creo como una ciencia. La humedad y la temperatura alteran la madera. También el transporte. Lo más razonable, y lo más económico, es utilizar materiales locales. La madera de un lugar dura más en ese lugar. 

¿Y lo mismo la piedra?

Lo mismo. 

¿Qué ocurre con los materiales industriales?

Están hechos por el hombre. Y ahí entra en juego la intuición. No tengo nada en contra de ellos, los uso con frecuencia. Un material industrial tiene cualidades que se escapan a los naturales. Por ejemplo, la ambigüedad. 

¿La intuición decide que algunos edificios serán de teflón y otros de piedra?

Sí. Cuando diseñé mi casa de plástico creí que el terreno pedía la mancha de color del plástico. Siempre trato de buscar el material apropiado para el lugar. Más que para el dueño de la casa. Porque el dueño estará mejor en una casa asentada en el lugar. Una casa funciona cuando es un sensor del paisaje. 

¿Era tan amigo de las tradiciones japonesas cuando vivía en Japón o tuvo que irse a la Universidad de Columbia para aprender a mirarlas?

De lejos se ve mejor. Cuando viví en Nueva York tenía que explicar muchas cosas de la cultura japonesa en inglés. Y eso te fuerza a mirarlas de otra manera. Si explico las mismas cosas en japonés, mis explicaciones no son científicas. Pero para hablar otro idioma uno ha de tratar de ser preciso. Y eso te obliga a sintetizar, a analizar. Y cuando analizas eres capaz de abstraer un método. 

A veces elige un material sólido, como la piedra, y lo aligera. ¿Por qué, en esos casos, no elige trabajar con un material más ligero directamente?

La ligereza de los materiales me atrae y me gusta. Es evidente que al cuerpo humano no le gustan los materiales rotundos, como el hormigón. Pero eso no quiere decir que la piedra no pueda ser maravillosa. Si la aligeramos, nuestra relación con ella será más pacífica. Esta idea también se respira en mi país. Nuestras casas de madera aligeran cualquier madera. Se trata de acercarse a los materiales, de establecer con ellos una relación epidérmica.

Pero el hormigón puede necesitarse para fortalecer un edificio.

Entonces actúa como huesos, la piel es siempre suave. Pero los huesos deben ser fuertes. 

¿Y eso no es hacer trampa?

No. Eso es asegurar la estructura. 

Además de los recubrimientos también está en contra de los edificios-caja. ¿Por qué?

La mitad de la arquitectura moderna son cajas: grandes y pequeñas. Si lo que la gente busca es una escultura, una caja puede llegar a serlo. Pero yo no quiero hacer esculturas en las ciudades. Me interesa más hacer agujeros: un patio, una terraza o un porche. Los agujeros invitan a entrar.

Sitio oficial: http://www.kkaa.co.jp/

© EDICIONES EL PAÍS S.L. – Miguel Yuste 40 – 28037 Madrid [España] – Tel. 91 337 8200

 

Por Giuliano Pastorelli

Arquitectos: TNG Arquitectos (R. Gil, J. M. Navarrete, O. Novoa Figueroa)
Colaboradores: F. Strahovsky (Arq. Asociado), L. Muñoz, J. Martínez
Ubicación: Santa Teresa 955,  La Ligua,  V región, Chile
Superficie Construida: 716 m2
Año Construcción: 2008 – 2009
Constructora: C. Pozo Lazo. J. Pozo, X. Lazo, E. Vega, R. Williams, F. Pinto
Ingeniería: Santolaya Ingenieros. Carlos Sepúlveda
Inspección: Asesorías Prigan. F. Prieto, S. Mansilla, A. Sanchez
Iluminación: Sandra Bordoni
Mandante: Inmobiliaria IGSA  Grupo CGE – R. Guillier – R. Pizarro 

 

 

Destinado a la empresa eléctrica CONAFE y emplazado en la esquina de un terreno de 180 m de frente, éste es el proyecto más público de un conjunto de edificaciones desarrolladas para las empresas del Grupo CGE en La Ligua. La estrategia fue disponer las construcciones principales en el borde exterior del sitio, ayudando a configurar la calle mediante la creación de una fachada urbana compuesta por volúmenes de similar altura. Dentro del paño el edificio se situó hacia al centro de la ciudad lo que contribuye a la configuración urbana de un sector en pleno proceso de transformación.

Siendo el segundo encargo del mismo tipo de parte del Grupo CGE, tomamos en consideración la experiencia del proyecto anterior. Las oficinas comerciales de las empresas eléctricas están constituidas por dos grandes zonas, Atención a Clientes y Administración.  La primera es pública, y está compuesta por un centro de pago, un área de exhibición de productos y un área de atención a clientes. La segunda, Administración, contiene la operativa de la empresa, su jefatura zonal y el personal administrativo.

 

Esta división funcional es la base del planteo y se muestra claramente en el proyecto. Atención a Clientes es transparente, tiene un espacio exterior generoso y se aprecia el interior desde el exterior. Administración tienen una filtro hacia la calle constituido por los pilares de hormigón de la fachada, y su acceso tiene una jerarquía menor que el de Clientes. Ambos sectores orientan sus naves principales al norte dejando los servicios al sur.

 

La idea fuerza en cuanto a la forma del proyecto es la construcción de un exterior propio de edifico público. Esto se logra con el retiro de las fachadas de vidrio respecto al línea del alero generando un triángulo en planta, de gran escala en la elevación, espacio que recibe al público y contiene los dos accesos. Esta idea conductora unifica el espacio y también las funciones.
Con el fin de integrar el edificio a la comunidad y evitar rejas, se instaló un espejo de agua, que funciona como separación y control de las fachadas respecto a la calle. Esto permite tener la vista limpia del edificio y permite una proximidad visual con los transeúntes.

    

Información: http://www.plataformaarquitectura.cl/2009/08/13/oficina-comercial-conafe-tng-arquitectos/